Entrevista a la Dra. Christine Checinska, conservadora jefe de moda y textiles africanos y de la diáspora africana en el Victoria and Albert Museum
«Africa Fashion» es la primera exposición del V&A dedicada exclusivamente a la moda africana en los 170 años de historia del museo. ¿Cuál fue el principal motivo o la mayor resistencia interna que se encontró al presentar el proyecto por primera vez?
Dra. Christine Checinska : El Victoria and Albert Museum (V&A) es el primer museo del mundo dedicado al arte, el diseño y las artes escénicas. Alberga la colección nacional de textiles y moda, una de las más amplias y completas del mundo.
Esta exposición constituye la muestra más completa sobre la moda africana que se haya organizado jamás en el Reino Unido. Ofrece un escaparate a diseñadores procedentes de más de veinte países, que abarcan una amplia gama de estéticas, y forma parte del compromiso continuo del V&A de dar a conocer el trabajo de los diseñadores africanos y de la diáspora global, al tiempo que ampliamos nuestras colecciones y nuestra programación en este ámbito.
Aunque no es la primera vez que presentamos la moda negra en el museo —como ya hicimos con las exposiciones «Black British Style» y «Streetstyle»—, se trata de la primera gran exposición del museo dedicada a la producción creativa del continente. Esperábamos que esta exposición marcara el inicio de una redefinición de la geografía de la moda y se convirtiera en un hito decisivo para el sector.
La moda africana marca la pauta en materia de creación contemporánea de vanguardia a escala mundial. Esta constatación es lo que nos motivó desde el principio: la fuerza y el impacto de los propios diseñadores exigían que les prestáramos atención. La exposición celebraba, en el momento oportuno, la vitalidad y la innovación de una selección de diseñadores de moda, explorando la obra de los pioneros del siglo XX y de las figuras clave de esta escena cosmopolita y diversa de hoy en día.
La exposición también ha sentado las bases para futuros proyectos, ya que seguimos trabajando de forma colaborativa para desarrollar colecciones y programas que resulten relevantes para públicos de todas las culturas, todos los entornos sociales y todas las perspectivas.
Has decidido que la historia comience a mediados del siglo XX, en la época de las independencias africanas (desde los años 50 hasta los 80). ¿Por qué este periodo de transición política era el punto de partida imprescindible para comprender la moda africana contemporánea?
Dra. Christine Checinska : Hay muchas historias que contar sobre el panorama de la moda africana, y muchas formas de contarlas. Gracias a mis investigaciones previas, a mi propia carrera como diseñadora y a mi experiencia como miembro de la diáspora, sabía que la historia que íbamos a contar debía hablar de autonomía, abundancia y creatividad sin límites.
Sabía que era importante ofrecer a nuestro público una visión tanto de la elegancia como de la dimensión política de la moda. Al profundizar en la investigación, me di cuenta de que la profesionalización de este ámbito, es decir, el surgimiento de marcas de diseñadores homónimas, de tiendas de moda y de estilo de vida, y el impacto de la moda a escala internacional, había comenzado durante el renacimiento cultural de mediados de siglo, impulsado por las independencias y las luchas de liberación.
Por lo tanto, debíamos comenzar en ese periodo: desde los años 50 hasta 1994, para que coincidiera con el fin de la era del apartheid en Sudáfrica. Evidentemente, es importante reconocer que, para muchos, la liberación fue efímera. En la actualidad, siguen existiendo conflictos armados de diversa índole en varios países del continente.
Durante los años de la independencia, la vestimenta se convirtió en una poderosa herramienta de afirmación nacional y liberación cultural. En tu opinión, ¿cómo es que simples elecciones de tejidos o peinados actuaron como manifestaciones cotidianas de soberanía?
Dra. Christine Checinska: La moda es un lenguaje no verbal universal. Es una forma de expresión personal que nos une a todos como seres humanos: ese deseo espontáneo de adornar y moldear el cuerpo.
La artista textil Sonya Clark dijo una vez: «La tela es para los africanos lo que los monumentos son para los occidentales». » Esto resume a la perfección la importancia de la tela en toda África, ya se trate de metros de tela en bruto envueltos alrededor del cuerpo o de prendas estructuradas a medida.
En la sección de la exposición titulada «Política y poética del tejido», hemos mostrado cómo los textiles tradicionales se revalorizaron durante ese periodo y se lucieron con un orgullo renovado, sobre todo en las zonas urbanas. Tomemos el caso del adire, por ejemplo. Shade Thomas-Fahm, a quien a menudo se considera la primera diseñadora de moda de Nigeria, cortó y confeccionó el adire en minivestidos que vendía en su tienda de Lagos, que era el lugar de encuentro imprescindible para los amantes de la elegancia de la época.
¿Cómo ha abordado su selección para presentar la moda de un continente compuesto por 54 países sin caer en la trampa de la generalización o de una estética puramente folclórica?
Dra. Christine Checinska: Las tendencias de la moda africana son indefinibles. Al igual que todas las tendencias, están en constante evolución, en constante innovación y en permanente reinvención. El panorama actual de la moda africana es tan diverso como el propio continente, con una miríada de enfoques creativos y estéticas de diseño. Querer mostrarlo todo era y sigue siendo imposible.
En su lugar, nos hemos centrado en aquellos que tenían una historia clara que contar a través de su trabajo, aquellos que expresaban un punto de vista contundente y que dejaban huella en la escena internacional. Tomamos la decisión de centrarnos exclusivamente en creadores procedentes del continente y/o que trabajaran en él. Desde un punto de vista geográfico, adoptamos un enfoque territorial que difuminaba las antiguas fronteras coloniales.
La exposición «Africa Fashion» ha ofrecido una visión general de la elegancia y el alcance político del sector a través de cinco ejes temáticos, desarrollados a partir de conversaciones directas con los diseñadores:
- Minimalista: centrado en los diseñadores cuya estética destaca por sus cortes arquitectónicos y un uso sobrio de los adornos y los colores, como es el caso de Mmusomaxwell.
- Mixologist (Mixólogo): agrupa a los creadores que dan prioridad a la mezcla de colores, motivos y referencias culturales, como en la obra de IAMISIGO.
- Artesanal (Artisanal): destaca la huella de la mano, ya se trate de una pieza de alta costura de Imane Ayissi o de una prenda tejida a mano con tintes naturales creada por Awa Meité.
- Afrotopia (Afrotopía): el grupo más amplio, que presenta estilos narrativos u obras de creadores que utilizan su práctica para abordar un tema personal o una cuestión de actualidad conmovedora (por ejemplo, la exploración del empoderamiento de las mujeres por parte de Sindiso Khumalo, o la reflexión de Rich Mnisi sobre las identidades LGBTQI+ a través de los colores de las banderas del Orgullo y Trans).
- Co-Creación: pone de relieve la moda a medida, un componente esencial de la creación contemporánea tanto en el continente como en la diáspora.
Gracias a la inclusión de la película de Sunny Dolat, *In Their Finest Robes*, hemos podido presentar trajes típicos de los 54 países del continente.
En la exposición, piezas históricas de diseñadores emblemáticos como Shade Thomas-Fahm o Alphadi conviven con las obras de la nueva generación contemporánea, como Thebe Magugu o Kenneth Ize. ¿Cómo ha logrado crear este diálogo visual e intelectual entre generaciones?
Dra. Christine Checinska: En la versión inicial presentada en Londres, existía una clara separación entre los dos períodos históricos, ya que la exposición se extendía a lo largo de dos plantas. Sin embargo, la primera obra que se presentaba era el conjunto de alta costura rosa de Imane Ayissi. Dado que el espacio original era circular, la pieza de Imane servía también de puente entre las dos plantas y las dos épocas, ya que su obra hace precisamente eso: traspasar épocas y sistemas de moda.
En la sección contemporánea, diseñadores como Patience Torlowei y Mai Atafo, cuya obra también abarca ambos periodos, nos ofrecían una mirada retrospectiva al siglo XX. De hecho, muchos diseñadores de la nueva generación citan a Patience, Mai e Imane como pioneras imprescindibles.
La fotografía de estudio (en particular, las obras de Sanlé Sory y Malick Sidibé) ocupa un lugar central en su escenografía. ¿En qué sentido la fotografía es indisociable de la historia y la narrativa de la moda africana?
Dra. Christine Checinska: La exposición aborda tanto la autorrepresentación como la forma de vestirse (self-fashioning). Por ello, resultaba esencial incluir fotografías y vídeos realizados por creadores africanos. La fotografía y el cine son también herramientas gracias a las cuales reescribimos nuestra presencia en la historia de la moda mundial.
Escribes mucho sobre la dimensión narrativa de los tejidos africanos. En el caso de telas como el Aso Oke, el Kente o el Bogolan, ¿cómo consigue el tejido conservar y transmitir una memoria histórica y política que la escritura ha silenciado en ocasiones?
Dra. Christine Checinska: El escritor y crítico cultural Sarat Maharaj planteó un día la pregunta: «Arte textil, ¿quién eres? », sugiriendo que podríamos entender lo textil bajo la figura camaleónica de «lo indecidible»: algo que, a primera vista, pertenece a un género concreto, pero que, al observarlo más de cerca, parece estirar y deformar ese género hasta el punto de hacerle perder su forma*.
El tema de los tejidos es amplio y de gran riqueza. Abarca una gran variedad de técnicas, una miríada de significados culturales y la encarnación de innumerables historias. En conjunto, los tejidos y la moda hacen mucho más que cubrir el cuerpo: se convierten en medios estratégicos de expresión personal, sobre todo cuando la voz de una persona ha sido silenciada o marginada. Ambos pueden utilizarse para cuestionar o reafirmar la posición de uno en la sociedad.
Sin embargo, la moda también forma parte de la forma en que se construye, se mantiene y se percibe como legítima la distribución desigual del poder en todas las sociedades. Se trata de verdades aceptadas en lo que respecta a estas funciones más amplias, tanto en las culturas del Norte como en las del Sur global.
Sin embargo, es fácil caer en la trampa de pensar que todas las modas africanas y todas las formas de vestir son sistemáticamente actos deliberados de compromiso creativo, o que todas las modas africanas encierran significados políticos ocultos relacionados con cuestiones raciales. No es así. Algunos diseñadores simplemente desean crear prendas bonitas.
No obstante, me vienen inmediatamente a la mente ciertas tradiciones textiles, como los tejidos conmemorativos, en los que momentos históricos concretos quedan literalmente inmortalizados e impresos en la tela, relatando la historia y expresando lealtades políticas. El tejido ghanés «Freedom in My Hand I Bring», presentado en la exposición y que aparece en el libro *Africa Fashion*, es un ejemplo perfecto de ello.
Hoy en día, la industria mundial de la moda busca desesperadamente soluciones de sostenibilidad y ecodiseño. ¿Crees, al igual que algunos investigadores, que las técnicas textiles tradicionales africanas son, por naturaleza, circulares y lentas, mucho antes de que Occidente teorizara sobre el concepto de «moda sostenible»?
Dra. Christine Checinska: Estoy totalmente de acuerdo con esta afirmación. La tercera sección de la publicación «Africa Fashion», titulada «Afro Fashion Futures», aborda esta observación en detalle.
Partiendo de las definiciones ampliadas de lo que significa «ser africano» esbozadas en la introducción del libro, los «Afro-Fashion Futures» son sistemas de moda del futuro que se nutren de la preservación de las raíces africanas y que, a su vez, alimentan nuestra relación con nosotros mismos, con la comunidad y con el medio ambiente. El carácter sostenible de las modas vernáculas e indígenas sigue siendo demasiado ignorado por el Norte global.
Al alejarse de la mezcla de tecnología y elementos de la historia negra propia del afrofuturismo para imaginar un futuro en el que las comunidades negras prosperen, los «Afro-Fashion Futures» abarcan los conocimientos locales tradicionales y las nuevas tecnologías «glocales» para evocar un futuro en el que nosotros —en el sentido de un «nosotros» ampliado— y el planeta podamos prosperar todos juntos.
La exposición ha suscitado una gran emoción entre las comunidades afrodescendientes de todo el mundo. ¿Hay algún testimonio o algún encuentro con un visitante que te haya marcado especialmente durante esta gira mundial?
Dra. Christine Checinska: Hay dos momentos que me vienen inmediatamente a la mente. Tuve la suerte de recibir una copia digital del libro de visitas durante la parada en el Museo McCord de Montreal. En él se puede leer, ocupando toda una página, esta sencilla frase: «¡África al mundo!». El otro recuerdo memorable se remonta a la primera edición en Londres. Uno de nuestros agentes de seguridad, Stanley, me contó que había llamado a su familia en Nigeria desde el interior de la exposición para decirles: «¡Estamos en el V&A!».
Pero también quiero compartir la reacción de la modelo Adhel Bol, la imagen de las modelos de la exposición contemporánea de Africa Fashion. Esto es lo que escribió tras visitar la exposición en Londres por primera vez:
«Nunca en mi vida había visto un maniquí de escaparate moreno o negro, y mucho menos uno con peinados africanos, trenzas, trenzas bantúes y nuestros rasgos africanos tan bien resaltados: labios carnosos, pómulos altos, nariz ancha…. Al verme cobrar vida de esta manera, espero que esto pueda inspirar a algún que otro chico o chica negra a sentirse representados, incluidos en la conversación, en una sala, en el panorama internacional de la moda o en cualquier otro ámbito de la vida. »
— Adhel Bol, noviembre de 2022
¿Cree que esta importante exposición ha logrado cambiar la percepción que tienen los compradores y los grandes almacenes de lujo occidentales sobre el valor comercial (y no solo artístico) de las marcas de diseñadores africanos?
Dra. Christine Checinska – Kayvan Michael Bazergan
Dra. Christine Checinska: Creo que sí. Próximamente se inaugurará un espacio dedicado a la moda africana en Harrods, en Londres. Marcas de diseñadores como Maison ArtC desfilan ahora en la London Fashion Week. IAMISIGO presenta sus colecciones en la Copenhagen Fashion Week.
Estas iniciativas muestran al Norte global la magnificencia de la moda africana. Los diseñadores no buscan la aprobación de Occidente; al contrario, esta visibilidad transforma las perspectivas, desmonta los prejuicios y ofrece oportunidades reales de crecimiento económico y expansión.
El valor comercial de las marcas africanas ya se reconoce plenamente. Esta evolución se esperaba desde hacía mucho tiempo.
¿Qué mensaje te gustaría transmitir a los jóvenes investigadores, historiadores del arte o comisarios de África y de la diáspora que hoy en día desean documentar y archivar la historia de la moda de sus respectivos países?
Dra. Christine Checinska: Habla directamente con los propios creadores, sé el canal a través del cual expresen lo que desean. Establece relaciones de confianza con ellos. Anímales a que archiven ellos mismos su trabajo a medida que avanzan en su trayectoria.
Estudiad. Todo mi trabajo se basa en la investigación académica. Creo que esto aporta una legitimidad y un rigor indispensables a los trabajos de los historiadores y los comisarios. Este nivel de atención a los detalles históricos, junto con un profundo conocimiento de los materiales y un dominio de la teoría, se lo debemos a todas aquellas personas a las que intentamos representar en exposiciones, libros, revistas, etc.
Si tuvieras que elegir una sola pieza, una sola prenda de toda esta exposición que, en tu opinión, simbolizara el futuro de la moda africana, ¿cuál sería y por qué?
Dra. Christine Checinska: ¡Elegir una sola prenda es una tarea realmente difícil! En su lugar, me gustaría elegir el encargo cinematográfico realizado por Lakin Ogunbanwo, titulado «Who Deh Shake?», ya que capta esa sensación de abundancia creativa presente en todo el continente. Esta obra me parece profundamente optimista. Ofrece una visión del futuro que ya se está haciendo realidad.
Me gustaría añadir a esto la reflexión del diseñador Amine Bendriouich, que cierra la tercera sección del libro. Se trata de una obra muy personal, pero, a través de ella, Amine nos invita a confiar en la capacidad de renovación del continente. A pesar de todos los obstáculos que pueden dificultar el desarrollo de un sistema de moda sostenible en el continente, existe una fe inquebrantable en las posibilidades.
*Maharaj, Sarat, «Textile Art – Who Are You?» en Reinventing Textiles, volumen 2: Gender and Identity, ed. Janis Jefferies, 2001, pp. 7-10
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