Entrevista à Dra. Christine Checinska, curadora-chefe de moda e têxteis africanos e da diáspora africana no Victoria and Albert Museum
«Africa Fashion» é a primeira exposição do V&A dedicada exclusivamente à moda africana nos 170 anos de história do museu. Qual foi o principal fator determinante ou a maior resistência interna aquando da apresentação inicial do projeto?
Dra. Christine Checinska : O Victoria and Albert Museum (V&A) é o primeiro museu do mundo dedicado à arte, ao design e às artes performativas. Abriga a coleção nacional de têxteis e moda, uma das mais vastas e completas do mundo.
Esta exposição constitui a apresentação mais abrangente da moda africana alguma vez organizada no Reino Unido. Oferece uma vitrine a criadores provenientes de mais de vinte países, abrangendo um vasto leque de estéticas, e insere-se no compromisso contínuo do V&A de destacar o trabalho dos criadores africanos e da diáspora global, ao mesmo tempo que desenvolve as nossas coleções e a nossa programação nesta área.
Embora não seja a primeira vez que apresentamos moda negra no museu, tal como nas exposições «Black British Style» e «Streetstyle», esta é a primeira grande exposição do museu dedicada à produção criativa do continente. Esperávamos que esta exposição desse início a uma redefinição da geografia da moda e se tornasse um marco decisivo para o setor.
A moda africana está na vanguarda da criação contemporânea a nível mundial. Foi esta constatação que nos motivou desde o início: a força e o impacto dos próprios criadores exigiam que lhes prestássemos atenção. A exposição celebrou, na altura certa, a vitalidade e a inovação de uma seleção de criadores de moda, explorando o trabalho dos pioneiros do século XX e das figuras-chave desta cena cosmopolita e diversificada dos dias de hoje.
A exposição também lançou as bases para projetos futuros, uma vez que continuamos a trabalhar em colaboração para desenvolver coleções e programas relevantes para públicos de todas as culturas, origens sociais e perspetivas.
Optou por iniciar a narrativa em meados do século XX, na era das independências africanas (dos anos 50 aos anos 80). Por que razão este período de transição política foi o ponto de partida indispensável para compreender a moda africana contemporânea?
Dra. Christine Checinska : Há muitas histórias para contar sobre o mundo da moda africana e muitas formas de as contar. Graças às minhas pesquisas anteriores, à minha própria carreira como designer e à minha experiência como membro da diáspora, sabia que a história que iríamos contar tinha de falar de autonomia, abundância e criatividade sem fronteiras.
Sabia que era importante dar ao nosso público uma visão geral tanto da elegância como da dimensão política da moda. Ao aprofundar a minha investigação, percebi que a profissionalização deste meio, ou seja, o surgimento de marcas de designers com o próprio nome, de lojas de moda e de estilo de vida, e o impacto da moda à escala internacional, tinha começado durante o renascimento cultural de meados do século, impulsionado pelas independências e pelas lutas de libertação.
Tínhamos, portanto, de começar por este período: dos anos 50 até 1994, para coincidir com o fim da era do apartheid na África do Sul. É obviamente importante reconhecer que, para muitos, a libertação foi efémera. Conflitos armados de diversa natureza persistem ainda hoje em vários países do continente.
Durante os anos da independência, o vestuário tornou-se um poderoso instrumento de afirmação nacional e de libertação cultural. Na sua opinião, de que forma é que simples escolhas de tecidos ou penteados funcionaram como manifestações quotidianas de soberania?
Dra. Christine Checinska: A moda é uma linguagem não verbal universal. É uma forma de expressão pessoal que nos une a todos enquanto seres humanos: esse desejo espontâneo de adornar e moldar o corpo.
A artista têxtil Sonya Clark disse um dia: «O tecido é para os africanos o que os monumentos são para os ocidentais. » Isto resume na perfeição a importância do tecido em toda a África, quer se trate de metros de tecido em bruto enrolados à volta do corpo ou de peças estruturadas feitas à medida.
Na secção da exposição intitulada «Política e Poética do Tecido», mostrámos como os têxteis tradicionais foram revalorizados durante esse período e usados com um orgulho renovado, especialmente nas zonas urbanas. Tomemos o caso do adire, por exemplo. Shade Thomas-Fahm, frequentemente considerada a primeira estilista da Nigéria, cortou e transformou o adire em mini-vestidos vendidos na sua loja em Lagos, que era o ponto de encontro incontornável dos elegantes da época.
Como é que conseguiu orientar a sua seleção para apresentar a moda de um continente com 54 países sem cair na armadilha da generalização ou de uma estética puramente folclórica?
Dra. Christine Checinska: As tendências da moda africana são indefiníveis. Tal como todas as tendências da moda, estão em constante evolução, em constante inovação e em permanente reinvenção. O panorama contemporâneo da moda africana é tão diversificado quanto o próprio continente, com uma miríade de abordagens criativas e estéticas de design. Querer mostrar tudo era e continua a ser impossível.
Em vez disso, concentrámo-nos naqueles que tinham uma história clara para contar através do seu trabalho, naqueles que expressavam um ponto de vista forte e que se destacavam na cena internacional. Tomámos a decisão de nos concentrarmos exclusivamente em criadores originários do continente e/ou que nele trabalham. Do ponto de vista geográfico, adotámos uma abordagem por territórios que esbatia as antigas fronteiras coloniais.
A exposição «Africa Fashion» proporcionou uma visão geral da elegância e do impacto político do setor através de cinco eixos temáticos, desenvolvidos a partir de conversas diretas com os designers:
- Minimalista: dedicado aos criadores cuja estética privilegia os cortes arquitetónicos e uma utilização sóbria de ornamentos e cores, à semelhança de Mmusomaxwell.
- Mixologist (Mixólogo): reúne os criadores que privilegiam a mistura de cores, padrões e referências culturais, tal como no trabalho da IAMISIGO.
- Artesanal (Artisanal): destaca o toque manual, quer se trate de uma peça de alta-costura de Imane Ayissi ou de uma peça de vestuário tecida à mão com corantes naturais criada por Awa Meité.
- Afrotopia (Afrotopia): o grupo mais abrangente, que apresenta formas narrativas ou obras de criadores que utilizam a sua prática para comentar uma questão pessoal ou um tema de atualidade comovente (por exemplo, a exploração do empoderamento das mulheres por Sindiso Khumalo, ou a reflexão de Rich Mnisi sobre as identidades LGBTQI+ através das cores das bandeiras do Orgulho e Trans).
- Co-Criação: destaca a moda à medida, uma componente essencial da criação contemporânea, tanto no continente como na diáspora.
Graças à inclusão do filme de Sunny Dolat, *In Their Finest Robes*, pudemos apresentar silhuetas provenientes dos 54 países do continente.
Na exposição, peças históricas de criadores emblemáticos como Shade Thomas-Fahm ou Alphadi convivem com obras da nova geração contemporânea, como Thebe Magugu ou Kenneth Ize. Como é que construiu este diálogo visual e intelectual entre as gerações?
Dra. Christine Checinska: Na versão inicial apresentada em Londres, havia uma separação clara entre os dois períodos históricos, uma vez que a exposição se estendia por dois pisos. No entanto, a primeira obra apresentada foi o conjunto de alta-costura rosa de Imane Ayissi. Sendo o espaço original circular, a peça de Imane servia também de ponte entre os dois andares e as duas épocas, pois a sua prática faz precisamente isso: atravessar épocas e sistemas de moda.
Na secção contemporânea, criadores como Patience Torlowei e Mai Atafo, cujo trabalho também abrange os dois períodos, proporcionaram-nos uma visão retrospectiva do século XX. Muitos criadores da nova geração citam, aliás, Patience, Mai e Imane como pioneiros incontornáveis.
A fotografia de estúdio (nomeadamente as obras de Sanlé Sory e Malick Sidibé) ocupa um lugar central na sua cenografia. De que forma é que a fotografia é indissociável da história e da narrativa da moda africana?
Dra. Christine Checinska: A exposição aborda tanto a auto-representação como a forma de se vestir (self-fashioning). A integração da fotografia e do cinema realizados por criadores africanos foi, por isso, essencial. A fotografia e o cinema são também ferramentas através das quais reescrevemos a nossa presença nas histórias da moda mundial.
Escreve muito sobre a dimensão narrativa dos tecidos africanos. No caso de tecidos como o Aso Oke, o Kente ou o Bogolan, de que forma é que o têxtil consegue preservar e transmitir uma memória histórica e política que a palavra escrita, por vezes, silenciou?
Dra. Christine Checinska: O escritor e crítico cultural Sarat Maharaj colocou um dia a seguinte questão: «Arte têxtil – quem és tu? », sugerindo que poderíamos compreender o têxtil sob a figura camaleónica do «indecidível»: algo que, à primeira vista, pertence a um género específico, mas que, olhando mais de perto, parece esticar e distorcer esse género ao ponto de lhe fazer perder a forma*.
O tema do tecido é vasto e de grande riqueza. Abrange uma diversidade de técnicas, uma miríade de significados culturais e a personificação de inúmeras histórias. Em conjunto, o tecido e a moda fazem muito mais do que cobrir o corpo: tornam-se meios estratégicos de autoexpressão, especialmente quando a voz de um indivíduo foi silenciada ou marginalizada. Ambos podem ser utilizados para contestar ou reafirmar a sua posição na sociedade.
No entanto, a moda também faz parte da forma como a distribuição desigual do poder em todas as sociedades é construída, mantida e vivida como legítima. Estas são verdades reconhecidas no que diz respeito a estas funções alargadas, quer se trate das culturas do Norte ou do Sul global.
No entanto, é fácil cair na armadilha de pensar que todas as tendências africanas e formas de vestir o corpo são, sistematicamente, atos deliberados de compromisso criativo, ou que todas as tendências africanas encerram significados políticos ocultos relacionados com questões raciais. Não é esse o caso. Alguns criadores desejam simplesmente conceber roupas bonitas.
No entanto, vêm-me imediatamente à mente certas tradições têxteis, como os tecidos comemorativos, em que momentos históricos específicos são literalmente imortalizados e impressos no tecido, retratando a história e expressando lealdades políticas. O tecido ganês «Freedom in My Hand I Bring», apresentado na exposição e incluído no livro «Africa Fashion», é um exemplo perfeito disso.
Atualmente, a indústria mundial da moda procura desesperadamente soluções de sustentabilidade e de conceção ecológica. Considera, tal como alguns investigadores, que os conhecimentos tradicionais africanos no domínio têxtil são, por natureza, circulares e de ritmo lento, muito antes de o Ocidente ter teorizado o conceito de «moda sustentável»?
Dra. Christine Checinska: Concordo plenamente com esta afirmação. A terceira secção da publicação «Africa Fashion», intitulada «Afro Fashion Futures», aborda esta observação em pormenor.
Com base nas definições alargadas do que significa «ser africano», esboçadas na introdução do livro, os «Afro-Fashion Futures» são sistemas de moda do futuro alimentados pela preservação das raízes africanas, que, por sua vez, alimentam a nossa relação com nós próprios, com a comunidade e com o ambiente. A natureza sustentável das modas vernáculas e indígenas continua a ser demasiado ignorada pelo Norte global.
Ao afastar-se da mistura de tecnologia e elementos da história negra, característica do afrofuturismo, para imaginar um futuro em que as comunidades negras prosperem, os «Afro-Fashion Futures» englobam os conhecimentos locais tradicionais e as novas tecnologias «glocais» para invocar um futuro em que nós, no sentido de um «nós» alargado, e o planeta possamos todos prosperar.
A exposição suscitou uma enorme emoção entre as comunidades afrodescendentes em todo o mundo. Houve algum testemunho ou algum encontro com um visitante que a tenha marcado particularmente durante esta digressão mundial?
Dra. Christine Checinska: Há dois momentos que me vêm imediatamente à mente. Tive a sorte de receber uma cópia digital do livro de visitas durante a paragem no Museu McCord, em Montreal. Nele, pode ler-se, numa página inteira, esta frase simples: «Africa to the world!». A outra recordação marcante remonta à primeira edição em Londres. Um dos nossos agentes de segurança, o Stanley, contou-me que tinha ligado à sua família na Nigéria a partir do interior da exposição para lhes dizer: «Estamos no V&A!».
Mas também tenho de partilhar a reação da modelo Adhel Bol, o rosto das modelos da exposição contemporânea da Africa Fashion. Eis o que ela escreveu depois de visitar a exposição em Londres pela primeira vez:
«Nunca tinha visto na minha vida um manequim de montra castanho ou negro, e muito menos um manequim com penteados africanos, tranças, tranças Bantu e as nossas características africanas tão bem realçadas: lábios carnudos, maçãs do rosto salientes, um nariz largo…. Ao ver-me ganhar vida desta forma, espero que isso possa inspirar um ou dois rapazes e raparigas negros a sentirem-se representados, incluídos na conversa, numa sala, no cenário internacional da moda ou em qualquer outro domínio da vida. »
— Adhel Bol, novembro de 2022
Considera que esta importante exposição conseguiu mudar a perceção dos compradores e das grandes lojas de luxo ocidentais relativamente ao valor comercial (e não apenas artístico) das marcas de designers africanos?
Dra. Christine Checinska – Kayvan Michael Bazergan
Dra. Christine Checinska: Acho que sim. Em breve, vai abrir um espaço dedicado à moda africana na Harrods, em Londres. Marcas de designers como a Maison ArtC já desfilam na London Fashion Week. A IAMISIGO apresenta as suas coleções na Copenhagen Fashion Week.
Estas iniciativas dão a conhecer ao Norte global a magnificência da moda africana. Os criadores não procuram a aprovação do Ocidente; pelo contrário, esta visibilidade transforma as perspetivas, desconstrói os preconceitos e oferece oportunidades reais de crescimento económico e expansão.
O valor comercial das marcas africanas é agora plenamente reconhecido. Esta evolução já era esperada há muito tempo.
Que mensagem gostaria de transmitir aos jovens investigadores, historiadores de arte ou curadores de África e da diáspora que, atualmente, pretendem documentar e arquivar a história da moda dos seus respetivos países?
Dra. Christine Checinska: Fale diretamente com os próprios criadores, seja o canal através do qual eles desejam expressar-se. Estabeleça relações de confiança com eles. Incentive-os a arquivar eles próprios o seu trabalho à medida que avançam na sua trajetória.
Estudem. Todo o meu trabalho assenta na investigação académica. Penso que isso confere uma legitimidade e um rigor indispensáveis aos trabalhos dos historiadores e curadores. Devemos este nível de atenção aos detalhes históricos, aliado a um conhecimento aprofundado dos materiais e a um domínio da teoria, a todas as pessoas que procuramos representar em exposições, livros, revistas, etc.
Se tivesse de escolher uma única peça, uma única peça de roupa de toda esta exposição que, na sua opinião, simbolizasse o futuro da moda africana, qual seria e porquê?
Dra. Christine Checinska: Escolher apenas uma peça de roupa é uma tarefa realmente difícil! Em vez disso, gostaria de escolher o filme encomendado a Lakin Ogunbanwo, intitulado «Who Deh Shake?», pois capta essa sensação de abundância criativa presente em todo o continente. Considero esta obra profundamente otimista. Oferece uma visão do futuro que já está a tornar-se realidade.
Gostaria de associar a isto a reflexão do criador Amine Bendriouich, que encerra a terceira secção do livro. Trata-se de uma peça muito pessoal, mas, através dela, Amine convida-nos a confiar na capacidade de renovação do continente. Apesar de tudo o que possa impedir o desenvolvimento de um sistema de moda sustentável no continente, existe uma fé inabalável nas possibilidades.
*Maharaj, Sarat, «Textile Art – Who Are You?» em Reinventing Textiles, Volume 2: Gender and Identity, ed. Janis Jefferies, 2001, pp. 7-10
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